媒體的關注算是一個意外，對於樂隊來說並不算什麽，橫跨美國的公路巡演一路走來，樂隊成員大大小小、各式各樣的場面都見過許多了，而且雨果那一首“好萊塢不是美國（Hollywood’s。Not。America）”更是將樂隊成員心理變化細膩地表現了出來，報刊雜志的熱鬧對於樂隊成員來說並沒有太大的威力。

  相對而言，與希蘭-萊庫寧在錄音室的合作才是對樂隊成員們的最大挑戰。由於錄音室的特性，每一個音符的演奏都會被無止境放大，就好像用顯微鏡在檢驗表演的每一毫秒般，這與現場表演是截然不同的兩種呈現形式，對於樂隊來說是一個全新的世界，而且困難重重。

  對於雨果來說也不例外。

  在音樂的整個創作過程中，可以大方向地劃分為作曲、作詞和編曲三個環節。大部分沒有接受過音樂教育與作曲訓練的普通人，只是對於曲調有感覺，他們可以哼唱出一些簡單的曲調，卻沒有辦法將這些曲調完成製作，簡單來說，就是普通人可以作詞，甚至天賦出色的人還能夠完成作曲，但是沒有經過專業訓練的人，卻很難完成編曲這個部分的工作。

  編曲這個環節其實就是將一首曲調演變成為完整的音樂形態，簡單舉例說明，可能一首曲子在創作過程中可以劃分為多個環節，一個人負責創作曲調與和聲，一個人負責創作弦樂隊聲部，一個人創作電聲樂隊聲部，一個人負責創作打擊樂聲部等等，那麽作曲就是第一個環節，而編曲就是把這四個環節整合在一起的人。所以，經常可以看到作詞人、作曲人之外，還有一個編曲人。

  編曲人的重要性絲毫不遜色於作詞人、作曲人，甚至從某種角度上來說編曲環節還佔據了更為重要的位置。因為編曲是將一首普通的曲調給予正確的引導，賦予音樂靈魂，這就是所謂的音樂製作過程。

  很多時候，編曲和作曲會是同一個人，因為作曲人對自己的音樂有最直接的了解，也往往能夠賦予編曲最準確的理解。但是在音樂領域裡，也有專門的編曲人，可能他們作曲能力不是那麽強，可敏銳的樂感、精準的流行嗅覺和準確的判斷，最重要的還有對樂器、對節奏、對旋律的出色辨識能力，卻可以賦予他們傑出的編曲能力，甚至具備化腐朽為神奇的能力。

  雨果之前改編了“下次你看到我（Next。Time。You。See。Me）”其實完成的就是一個編曲的動作，這是對原曲的樂譜、節奏、風格進行修改的一個過程。披頭士的經典歌曲“昨天（Yesterday）”根據吉尼斯紀錄被一千多名歌手演唱或者翻唱過，表演次數達到了七百萬次，可謂歷史之最，而同一首歌在不同歌手的演繹之中展現出截然不同的風采，其實就是編曲的功勞。真正優秀的編曲，就是有能力將旋律用最出色最舒適最精彩的方式呈現出來。

  雨果是一名作詞人、一名作曲人，但他對於編曲環節的了解就有很大程度的缺失，雖然他在十年搖滾生涯之中自學了許多專業編曲知識，也和許多專業人士有過交流，可是因為一直沒有系統學習過，所以在這方面雨果的知識就顯得很零散。

  榮耀至死第一張專輯十一首歌全部都出自雨果之手，這也得到了希蘭的同意。這十一首歌其實雨果都按照樂隊的風格完成了編曲，但這種編曲還是比較粗糙的，就好像一件手工木製家具，完成了打磨，但還是留著些許毛刺，不夠精細。平時現場表演過程中，即使有些粗糙的部分，樂隊成員也會自己做出調整，但是進入錄音室之後，這些毛刺就被放大，而成員之間又不像現場表演時能夠作為配合——大家在錄音室都是單個單個進行錄音的，所以編曲的粗糙就立刻顯現了出來。

  不過幸運的是，十年經驗還是給雨果留下了很多東西，他對於編曲的理解也很有自己的一套體系，編曲最基本的一項技能就是對樂器的精準理解能力，什麽樂器適合什麽風格，什麽時候應該使用什麽樂器，這都是十分基本而重要的。特別是進入二十一世紀之後，許多類型的音樂都會使用管弦樂團來進行伴奏，鄉村、流行、搖滾、嘻哈這些看起來和古典樂器沒有任何聯系的音樂風格也都紛紛利用古典音樂的管弦樂團來進行編曲，所以編曲人對樂器的理解就更加重要了。

  雨果當初對鍵盤、貝斯、架子鼓等樂器的敏銳辨識度，其實就是來自於多年對編曲研究沉澱下來的附加技能。

  “所以你是說這首歌主樂器必須使用鋼琴。”希蘭和雨果面對面地坐著，他用右手手指支撐著自己的腦袋，陷入了沉思。

  雨果用力點了點頭，堅定不移地表示了自己的想法。希蘭沒有說話，兩個人就這樣陷入了沉默。

  留在錄音間裡面的阿方索站在鍵盤後面一臉無奈，而尼爾則抱著吉他安靜地站在旁邊，一副隨時待機的模樣。在錄音間之外，福金和佩德羅兩個人坐在沙發上，看著劍拔弩張的雨果和希蘭，也緊繃著不敢說話。

  “為什麽？吉他作為主旋律的效果也很出色，不是嗎？”希蘭還是沒有退讓，按下了紅色的通話按鈕，對著話筒說到，“尼爾，你可以再嘗試一次嗎？”

  希蘭的話音都還沒有落，雨果就直接對尼爾搖頭表示了否認，然後開口說到，“他們已經前後試過許多次了，難道你沒有聽出其中的差異嗎？”尼爾和阿方索面面相覷，他們就是雨果和希蘭的拔河繩索，被兩股力量互相拉扯，真是苦不堪言。

  此時雨果和希蘭正在對“好萊塢不是美國（Hollywood’s。Not。America）”這首歌進行編曲，而兩個人對於主樂器的使用產生了分歧。

  “這首歌的編曲並不複雜，只是簡單的參雜了流行元素，旋律的流暢和歌詞的意境才是最大的亮點。那麽，歌詞的意境是什麽呢？”雨果阻止了尼爾之後，對著希蘭連珠炮的說到，“好萊塢代表的是成為明星的夢想，但失去了成為一個明星的機會，卻不代表失去了所有一切，人生不僅僅只有好萊塢而已。使用吉他來演奏這首歌，就變成帶著歡快清新的鄉村小調，整個意境更像是兜風朝著好萊塢進發，最後溜達了一圈又回家，這種感覺完全破壞了歌詞想要表達的情感；相反，鋼琴的清澈和悲傷，卻能夠為旋律注入一種淡淡的悲傷，在悲傷的背後，通過演唱過程對歌詞的演繹，將那種希望迸發出來，形成一個對比，這才是最好的表達方式。”

  “展示給我看看。”希蘭沒有多說什麽，乾脆利落地說到。雨果頓了頓，希蘭接著解釋到，“歌詞裡的希望和鋼琴的悲傷，如何演繹出來，如何製造衝突，展示給我看看。”

  雨果沒有猶豫，就直接朝著錄音室走了進去，然後尼爾和阿方索兩個人都走了出來，隻留下雨果一個人站在錄音室裡。希蘭再次按下了通話鍵，“我給你播放剛才阿方索演奏的音軌。”

  雨果帶起了耳塞，朝希蘭出示了一個準備完畢的手勢。榮耀至死整支樂隊進入錄音室已經超過十天時間了，樂隊和希蘭、和錄音這項專業工作都一直處於磨合狀態，雙方都是磕磕絆絆地取得進展，其實表現最為穩定的卻是身為鼓手的福金，他已經徹底進入了錄音狀態，表現十分出色。

  相對而言，雨果身為主唱，雖然之前就進過聲音之城的錄音室，但由於他肩負著將每一首歌呈現出來的重任，所以他肩膀上的壓力依舊不減，這十天以來，雨果也在努力學習、努力磨合、努力尋找狀態，雖然目前隻完成了兩首歌的錄製，但雨果漸入佳境，這是一個好跡象。

  希蘭看雨果準備好之後，就開始播放了音樂。雨果第一次開口演唱音準還是有些不穩，他主動暫停了錄音，走到旁邊清了清嗓子之後，喝了一口水，再次投入了演唱。

  “好萊塢不是美國”這首歌單純從編曲的技術角度上來說，並沒有太多出彩之處，而且搖滾成分被流行蓋過了不少風頭，但是這首歌在歌詞的情感宣泄上，卻有著令人感同身受的意境。所以這首歌的關鍵就在於表演時情緒的到位，這也是雨果堅持選擇鋼琴作為主樂器的原因。

  這首歌雨果最喜歡的並不是副歌部分，而是主歌的兩段歌詞，充滿了情緒的張力，“出生時叫海倫娜-珍妮，帶著疲憊不堪的靈魂，西行前往加利福尼亞州，成為了雜志封面女郎。但是一旦你改了名字，靈魂的碎片就會消逝，現在她幾乎無法認出自己。”

  那種輕描淡寫的歌唱之中卻掩飾不了語氣裡的失落，內心微微的刺痛在旋律之中輕輕拉扯，這種並不誇張只是淡淡泄露出來的真心情緒，在樂符與樂符之間宛若水滴一般緩緩滲透，這種情緒與鋼琴是相輔相成的，而經過這些鋪墊之後，當副歌那句“好萊塢不是美國”爆發出來時，整個情緒才打到了頂點。

  即使今天雨果沒有創作歌曲當天的那種絕佳狀態，但每次演唱到“一旦你改了名字，靈魂的碎片就會消逝”這句歌詞時，心臟傳來的顫栗還是無法遏製的滋生出來。