作為不是主唱出身的雨果來說，他在演唱歌曲時技巧方面還是需要不斷打磨的，但是他對於歌曲的演繹卻是最大的優點，每一首歌的感染力都足以讓人側目。最主要原因就是榮耀至死樂隊目前所演唱的曲目，都是根據他們自身經歷所創作的，大部分都是出自雨果之手，雨果對於每一個旋律的來源、每一個歌詞的意義都了如指掌，而樂隊經過四個月的磨合，大家在表演過程中也能夠把情緒整合到一起，從而發揮出最大的能量。

　在這之中，最具代表性的一首歌就是“曬傷nbrn”，這首歌只有吉他伴奏，將所有花哨的枝枝椏椏都剪短，隻留下吉他來勾勒每一個樂符。在這時候，雨果的嗓音成為了情感的唯一表現通道，幾乎接不到力，但是雨果卻能夠利用聲音的力量、嗓音的變化，將歌詞之中那種宛若秋日陽光之下落葉緩緩飄落的眷戀和遺憾呈現出來。這種表現力，不僅是雨果最出色的亮點，也是榮耀至死整體風格之中最重要的一部分。

　希蘭不由閉上眼睛細細地品味著雨果那剝離了所有裝飾的聲音，這種聲音就好像是一個徹底赤果的人站在空曠的操場上，而且還四肢大開，隱藏不了任何秘密，所有的細節都可以一覽無余。

　九十年代初期的錄音設備其實是很“簡陋”的，因為在二十一世紀的電腦錄音時代，精良的設備可以對歌手的演唱進行每一個細節進行修正，但是在九十年代初受限於設備問題，就無法達到這種程度。簡單來說，二十一世紀電腦錄音可以一個字一個字地進行修改，但是九十年代初最多就只能一句一句地進行調整，而且調整的精細度也會有很大差別。所以，在二十一世紀，有人就調侃說就算是音癡也可以出專輯，就是這個原因。

　在這種相對簡陋的錄音設備下，歌手對於自己聲音的領悟力、掌控力就顯得十分重要。雨果作為非主唱出身、非專業學習的歌手，他所有的演唱技巧都是在一場又一場的表演之中打磨出來的。今天在專輯錄製過程中，展現出來的實力沒有參雜任何水分。

　雨果本質的聲音醇厚而有質感，有一種渾厚的力量，把所有修飾都剝離之後，還可以感受得到雨果在用嗓時不正確的方法所導致的一點點磁性，由於雨果用力的錯位，使得這種沙啞磁性並不明顯，但卻讓雨果的歌聲更加具有滲透力。希蘭不由想起雨果在演唱“”、“鋰”這些歌曲時嗓音爆發出來的能量。

　“好萊塢不是美國s。。r”的歌詞被包裹在雨果溫柔的嗓音之中，聽起來倒不像是流行搖滾，反而可以感受到搖滾之中藍調的部分，那種懶洋洋的憂傷，在心間叮咚作響。

　等雨果演唱完半首歌之後，

他就暫停了自己的繼續演唱，而希蘭也沒有多說什麽，直接將雨果的演唱契合到阿方索表演的琴鍵音軌之中，細細地聽完之後，再又嘗試將雨果的演唱和尼爾的吉他表演結合在一起，再聽一遍。

　希蘭閉上眼睛，就好像是品嘗美食一般，試圖用自己的耳朵去分辨出音樂裡的每一種味道，最後他睜開了眼睛，朝著站在錄音間門口的雨果點了點頭，“你說得對。”這就是希蘭最大的優點，他很願意接受來自各方的意見，他會毫不猶豫地堅持自己的觀點，為自己的觀點據理力爭，但如果自己真的錯了，他也不會羞於承認自己的錯誤。

　“不過，阿方索，你剛才的鍵盤拍子錯了兩次，還有琴鍵也按錯了一次吧，這是怎麽回事?”希蘭回頭看了看站在旁邊一臉緊張的阿方索，開口質問到。

　阿方索抬頭看向了雨果，但雨果卻攤手，表示“我也無能為力”，因為剛才這三個紕漏雨果在試唱過程中也聽出來了，阿方索還是沒有完全適應錄音室的節奏，每個樂器都分割開來進行錄音，但同時又要契合在一起，然後將每一段曲子都解剖開來雞蛋裡挑骨頭，這可不是一件容易的事。

　看到雨果的表情，阿方索無奈地低下了腦袋，“我的錯，我再嘗試一次吧。”雖然有些受打擊，但阿方索整體來說還是很積極的，畢竟這張專輯，樂隊希望能夠達到完美的那顆心一點都不遜於希蘭。

　阿方索再次進入了錄音間，雨果則是在沙發坐了下來，“尼爾，鋰這首歌的吉他部分你還是不適應嗎?”

　尼爾點了點頭，“平時在現場演出，節奏總是會快四分之一拍，進入錄音室之後，福金把節奏降了下來，總覺得好像慢了四拍似的。”

　其實這是一種耳朵和心臟帶來的錯覺，在現場表演，由於觀眾的歡呼聲，心臟節拍數很容易就攀升上去，這就導致脈搏速度加快，整個樂隊表演的節奏都會快一些，所以整首歌的表演節奏會集體偏快一點。但是進入錄音室之後，身為鼓手的福金就必須按照樂譜的原本節奏進行演奏，吉他手和貝斯手都會在演奏過程中產生一些誤差。

　專輯也分為錄音室專輯、演唱會現場專輯，其中的差別這就是一點，現場氣氛和錄音室氣氛是截然不同，呈現出來的表演也就會有很大的差距。這也是現場表演的魅力，每一個現場都是不一樣的。

　“你應該閉上眼睛聽我的鼓點，然後對著吉他弦空彈一次，感受一下心跳節奏，就可以找到差別了。”福金坐在旁邊，沉聲說到。他是鼓手，他就是整支樂隊的心臟，掌握著整支樂隊的節奏，所以他必須準確地把握住節奏的變化。

　尼爾看了福金一眼，思考著點了點頭。

　“雨果，你過來一下。”希蘭沒有回頭就直接喊到，等雨果走到了他身後時，他沒有說話，直接就點了播放鍵，剛才阿方索錄製的旋律就流淌了出來。雨果仔細聽了一遍，其實從準確度上來說，阿方索已經沒有任何問題了，但情感表達還是不太多，樂器的演奏是可以清晰聽到表演者情緒變化的，這也是優秀演奏者和頂尖演奏者之間的差距，也許很微弱，但卻很致命。

　“阿方索，回想一下我在創作這首歌時的場景”雨果停頓了一下，最後還是對著話筒說到，“回想一下當時喬的情況，包括我們自己的心態，再演奏一遍，剛才這個，我根本聽不到歌詞的演奏。”

　希蘭坐在旁邊連連點頭，他剛才就是覺得阿方索的演奏缺了一點什麽，但偏偏技術角度找不到差錯，現在雨果說來，問題就明顯了，阿方索的演奏和雨果剛才的試唱沒有辦法完美結合到一起。

　坐在旁邊的尼爾三個人也都若有所思，平時在現場進行表演時，大家會互相影響互相照顧，觀眾反饋出來的情緒很容易就直接融入到演奏之中。但是在錄音室，冷靜的環境、冷靜的錄音過程將周遭的影響都消除了，對於樂隊來說是有很大影響的。這也是許多搖滾歌迷比起專輯來說，更喜歡現場的原因，因為現場表演才是最原汁原味的，錄音室版本反而缺少了一點熱情。

　阿方索前後錄製了三次，終於是讓希蘭點頭了。現在希蘭就是擔任一個錄音工程師的位置，同時站在專輯的角度和雨果進行討論，按照雨果的要求對錄音工作進行修飾和改正，然後兩個人攜手完成專輯的製作。當然，雨果也可以從希蘭身上學習到許多編曲、錄音的專業知識，這是一個很充實的過程。

　隨後尼爾、佩德羅分別上場，耗費了近四十分鍾，終於完成了“好萊塢不是美國”的整首歌配樂部分錄製，輪到雨果正式開始錄音了，希蘭不由再次交代到，“雨果，你的聲帶還是太緊了，放松一點，你聲音一緊的時候，容易很乾澀，聽起來很難受。”

　希蘭根本沒有打算給雨果留顏面，用詞都很直接，但雨果也不介意，點點頭表示自己了解，“旋律音量降低兩檔，這太大聲了。”雖然錄音時間並不長，但雨果也在逐漸進入狀態，漸漸找到自己最習慣的環境。

　“好萊塢不是美國”這首歌前面三分之二的難度都不是很大，最後三分之一的部分，雨果嘗試了一些節奏藍調的演唱方式，這種表演方式進入二十一世紀之後已經完全普及，甚至可以說是爛大街了，但是在九十年代初的現在，節奏藍調甚至是比另類搖滾還要非主流的黑人音樂。

　雖然節奏藍調早在四十年代就已經誕生了，但在當時是作為黑人音樂、種族音樂的替代詞出現，專門指代結合了黑人靈魂、福音、爵士和藍調的音樂，是一個讓人十分不愉快的詞匯。一直到八十年代後期，迪斯科沒落之後，節奏藍調在原本的基礎上又融合了放克、流行和嘻哈等元素，形成了全新的節奏藍調曲風，並且逐漸形成了獨特的風格，在九十年代進入高速發展階段，九十年代中後期湧現了一大批頂尖巨星，並且在二十一世紀初期強勢崛起，成為市場主流音樂。

　在九十年代初期，節奏藍調的演唱方式依舊正在形成過程中，並未被廣泛使用。所以雨果的演繹自然就顯得十分新鮮，而且具有衝擊力。

　希蘭聽雨果演唱完畢之後，完全是耳目一新，細細地琢磨了一會，然後對著話筒說到，“這一次很棒，不過細節方面還是沒有做到位，就按照你的方式，再重新來一遍。”

　雖然說榮耀至死進入錄音室之後一度顯得無所適從，但樂隊一天二十四小時幾乎都泡在錄音室或者練習室裡，進步速度十分迅速，這才不過十天而已，就可以明顯感覺到樂隊的提升。不僅是雨果，樂隊其他四名成員也都可以感覺到不同程度的改變，這種勤懇認真的態度也讓人看到了樂隊身上不同於大部分搖滾樂隊的正面形象，雖然不知道這對於樂隊在搖滾圈子立足是否有用，但這對於專輯錄製來說，自然是再好不過的消息了。