很多《我的野蠻女友》的觀眾都喜愛那首《I_Believe》，可是金韶賢卻更喜歡那首《卡農》。因為每當回想起這個片子，他最早想到的，就是全智賢在台上彈奏這個曲子的情景——柔和的表情，溫順的長發，似乎置身無人的空間中讓人不忍打擾，而唯一的流動，就是那輕吟的琴聲。

　　卡農(Canon)這個詞原意是指教規、宗教法規、規則或者經典之意，在音樂上特指複調音樂的一種寫作技法:各個聲部有規則地互相模仿。用卡農手法寫成的樂曲叫做卡農曲，我們經常聽到的輪唱曲就是卡農曲的一種。

　　卡農出現於十三、十四世紀，帕海貝爾作為德國十六世紀後期的著名作曲家，也是巴赫的老師，尤以此曲飲譽至今，一般人說起《卡農》都是指帕海貝爾的《卡農》。《卡農》以大提琴啟奏，三把小提琴間隔八拍先後加入，小提琴全部拉奏完全相同旋律，前後也只有三段不同的旋律，每段更是僅有兩小節的旋律供重複拉奏;大提琴的調子從頭到尾只有兩小節，重複達二十八次之多。所以這段音樂雖然給人感覺是不斷地回旋往複，可它優美雅致的旋律完全不讓人覺得單調，只會越聽越覺動聽，不由自主地沉醉在小提琴重複的拉奏中。這首《卡農》由於太過著名，以代表人類文明的標志，被美國宇航署通過衛星送入太空，同時上太空的音樂還包括貝多芬、德彪西、莫扎特的作品。

　　許多交響作品裡都會用《卡農》的技巧部分，比如貝多芬的《命運交響曲》、巴赫的《五首卡農變奏曲》等。1966年的維也納音樂節上，大指揮家卡拉揚帶來的《卡農》版本加入了一把小提琴。1985年，鋼琴名家的《December》問世，帶來了他獨自改編的鋼琴版本《》，使得鋼琴演奏《卡農》的浪漫風廣為流行。1987年，吉他天皇演繹的現代版本轟動一時。1992年，大豎琴家Mask和長笛演奏家共同在英國皇家音樂學院的周年儀式會上演奏了極其優雅的《卡農》新版，甚受推崇。1995年，日本明星深田恭子在自己的專輯中也親自演繹了親手改編的《卡農》。其他還有童聲版、饒舌版、佛拉門戈版、爵士版等各種《卡農》。無論憂傷還是快樂，總有適合各種情緒的《卡農》版本能滿足雙耳與心靈的需要。

　　據吉尼斯世界紀錄統計，到目前為止世界上重新演繹並出版的《卡農》版本達2000余種！而實際上，卡農僅僅是一首全長僅5分鍾左右的音樂小品，但它卻帶來了300多年的奇跡，而且還會經久彌新。

　　這就是古典音樂的魅力，古典音樂()是指那些從巴洛克時期開始一直到20世紀早期，在歐洲文化傳統背景下創作的，有別於通俗和民族的經典音樂。它是一個獨立的流派，藝術手法講求洗練，追求理性地表達情感。

　　廣義的古典音樂是指西洋古典音樂，那些從西方中世紀開始至今的、在歐洲主流文化背景下創作的音樂;狹義的古典音樂是指古典主義音樂，是1750～1820年這一段時間的歐洲主流音樂，又稱維也納古典樂派，此樂派三位最著名的作曲家是海頓、莫扎特和貝多芬。

　　事實上，很多西方古典音樂最早都是來自於為宗教儀式慶典而寫的音樂。但當人們聽到貝多芬、莫扎特、舒伯特等古典音樂家的音樂作品時，它帶給人們的不僅僅是優美的旋律，充滿意趣的樂思，還有真摯的情感，或寧靜、典雅，

或震撼、鼓舞，或歡喜、快樂，或悲傷、惆悵……　　說到歐洲古典音樂，就不能不提到中世紀伊麗莎白/格裡高利時期的音樂，那時，佔主導地位的還是宗教音樂。當時的人們對基督的信仰與崇拜，直接影響到了社會的政治與音樂，當時的音樂，只是純粹的宗教用途，隻限於在教堂中演唱，沒有樂器，但卻對今後的音樂發展起到了重要的作用。

　　到了1450年，歐洲音樂開始進入了文藝複興時期。因為當時的歐洲政治的不穩定，教廷的威信與勢力開始衰弱，資產階級萌芽，為了適應當時社會的發展與人們的新思想，音樂開始宣揚以人為本的思想，也就是在那時，歐洲傳統的大小調式逐漸形成。

　　1600年開始，歐洲進入了一個大發展的時期——巴洛克時期，那時候不僅產生了象大家所熟知的巴赫、亨德爾等偉大的作曲家，歌劇、協奏曲、奏鳴曲等題材也相繼被創造發展出來。

　　隨後歐洲音樂進入古典時期，也就是在1750年巴赫逝世後，歐洲複調後繼無人之時。樂風開始逐漸轉向簡潔實用的主調，那時候，出現了三位音樂大師:“交響樂之父”海頓、“神童”莫扎特、以及“樂聖”貝多芬。音樂的主題也從延續幾個世紀的宗教音樂，逐漸變成富有豐富哲理內涵的古典音樂。

　　1827年貝多芬的逝世結束了嚴謹的古典主義時期。當時的歐洲正在接受浪漫主義的洗禮，作曲家把作曲當作抒發內心情感的手段，對音樂的審美也有了進一步的發展，產生了炫技等音樂表現手法。帕格尼尼、李斯特等就是那時紅極一時的演奏家。音樂表現、風格也日趨豐富，出現了一些以民族音樂語言進行創作的民族作曲家，如芬蘭的西貝柳斯、挪威的格裡格、俄羅斯的五人強力集團等，都是民族樂派的偉大作曲家。時間進入19世紀，還出現了以德彪西為首的印象派音樂，他們的音樂表現極具色彩化，和當時的繪畫風格有相同之處。

　　在浪漫主義後期，也就是歐洲調性體系發展到了最輝煌也是最後的時期，那就不得不提到拉赫馬尼諾夫、馬勒等作曲家。他們把歐洲傳統作曲法發展到了極致，當然也包括新的嘗試，出現了像馬勒第八交響曲《千人合唱》這樣的宏大的作品。再者，就是斯特拉文斯基，他的新古典主義崇尚複調和對位法，采用多調性，為以後的傳統作曲法到先鋒音樂的過渡起到了至關重要的作用。

　　時間到了十九世紀末、二十世紀初，音樂又有了突破性的發展。以韋伯恩為開始的作曲家打破十二音作曲法，拋棄了近400年的歐洲調性體系，發明了十二音序列，之後無調性等音樂形式出現，勳伯格就是其中代表。

　　在世界大戰之後，科技更加發達，人們的思想也更加豐富，出現了電子音樂，以及國家間的文化交流不斷融合，產生了更加豐富的音樂形式，更加多元化。在1945年後的音樂被稱為先鋒音樂，這時候的音樂已經動搖了人們對音樂的美的看法，也更加理論化，產生了象無聲音樂，噪音，微分音等人們無法理解的音樂形式。

　　那麽問題來了，如何欣賞音樂呢?這是一個非常古老的話題，多少年來，一直被爭論不休，可到底該怎樣欣賞音樂，還是有人不明白。

　　不管音樂為何物，不管何為古典音樂，聽眾只需好聽就聽，有感覺就聽。金韶賢聽不懂《尼伯龍根的指環》，雖然它是經典之作，但金韶賢沒有德奧文化背景、沒有那種民族情緒、沒有深厚的西方神話文化、沒有接受****的心理準備，怎能懂《指環》?雖然金韶賢聽不懂《指環》，但聽得懂《卡門》，因為他也有和劇情一樣的感受，一樣在追女孩子的時代有那種失落。

　　其實在學習音樂一段時間後，金韶賢聽歌賞曲時常常會陷入被動聆聽的角色:不由自主的分析主題、探究曲式結構、模擬演奏等等，沒有感情，聽之無味。

　　直到這一次，這一首《卡農》，才喚醒了他對音樂的初體驗。當聽眾要求作品、要求作曲家有真情實感的時候，為何不要求自己用真情實感去聽音樂呢?

　　當我們有了真情實感的態度後，一切美好的音樂就向我們展現，不管是流行音樂還是古典浪漫，不管是複調還是主和，不管是無題還是標題， 不管是交響曲式還是協奏曲式，不管是聲樂還是器樂，不管是光芒四射的作曲家還是窮困寥倒的不名之人，不管是北歐南美還是德奧……

　　當那神奇的樂音響起時，心中自然泛起無際的激情的浪花，音樂就是那情感的源泉。不管是人生征途的跋涉還是成家立業的拚搏，也不管你是年輕或年邁是落魄或得意，歡樂也罷，憂愁也罷，在音樂的殿堂裡，都是在用自己的情感去體驗音樂。

　　這時候音樂已經不再神秘的了，音樂也不再是高不可攀的了，音樂所表達的一切也都不再是外表的，也許主題還是那個主題，但“山遠水遠，你我的心不遠”。

　　Ending

　　閱文附言:

　　Then_this_moving_this_around_here，and_it_will_give_us_a_sense_of_the_difference_in_style_between_pop_music_and_

　　兩種音樂縈繞在四周，讓我們感受到古典音樂與流行音樂的差異。

　　隨文閑聊:

　　1997年，全智賢曾推出過專輯《Pure_apple》，其中第6首便是她親自演繹的《Canon_Flying_In_The_Sky》，容祖兒將之演繹成《揮著翅膀的女孩》。

　　Float_like_a_butterfly_as_you_true_the_process.

　　相信過程，你就會像蝴蝶一樣輕盈。