敲定宮崎吾朗有時候會進來給他送一些吃喝，然後靜靜的看他修改過的劇本。大多數時候他們都不會說什麽，一個趴在那裡寫，一個坐在那裡靜靜的看，到了飯點就吃點東西，什麽時候困了就倒在沙發上睡一會。期間那個禿頂的老人有來過幾次，原來他就是鈴木敏夫，作為吉卜力的社長和製片人，他對劇本也有很大的發言權。對於kelen修改的劇本，鈴木敏夫不置可否，他有一次在飯桌上對kelen和宮崎吾朗嚴肅的說:“既然你願意承擔這項工作，我希望你能有始有終，加入劇組，和吾朗好好合作。”他舉杯和kelen碰了一杯“但是監督只能有一個，決不允許有兩個導演導致劇組分裂和政令不統一的局面出現，你明白嗎?”鈴木敏夫直勾勾的盯著kelen，渾身的肌肉緊繃，仿佛是捕獵前的鬣狗一樣。看到kelen點點頭，他才松弛下來:“劇組可以給你編劇和導演助理的職位，至於酬勞和合約的事情，也會表現出最大誠意的。”Kelen點點頭，自己和公司簽的合約裡面只有關於藝人方面的內容，做幕後的工作就不用受合同影響，這方面的收入，就和買彩票中獎一樣，全歸自己所有。但現在，重要的是kelen完全陷入這個劇本裡面無法自拔，將它拍成電影成了kelen的心願，至於說其他的名利，完全不是他關心的重點，他寧可公司劇組將自己的酬勞全部投入電影的拍攝。有那部電影會嫌棄拍攝資金會太多呢?將原作漫畫改編成動畫時，因為角色及服飾已經定型，所以並不需要再多加設計。可是為什麽每一原作動畫還是標明了“原作角色設計”及“動畫角色設計師”呢?第一，漫畫是靜態的作品，因為格數少所以角色的線條等可以複雜來加深作品的美感及印象。但是製作動畫時，如忠於原作角色的線條會使作畫的時間加長而延長製作時間(及更多的經費)，所以需要將原作角色的線條簡化。第二，漫畫角色因為不必著色，所以不必將每一線條連結。但是動畫需要著色，所以必須改良原作角色造型將所有的線條連結以便著色人員上色。第三，有一些原作漫畫角色造型並不適用於動畫作品。為了製作效率，著色上及動畫造型上的理由，原作動畫需要另外聘用動畫角色設計師。這一工作kelen只能指導別人去做，他本身沒有什麽繪畫功底，但他喜歡攝影，喜歡研究構圖和色彩，視角選擇，知道如何能用畫面表達出希望的角色特點。從小有著良好繪畫功底的宮崎吾朗在這一方面遊刃有余，兩個人可以根據原著中的描述，共同討論角色該畫成什麽樣子，然後由宮崎吾朗動手畫出來。背景設計師歷史相當悠久，早從黑白卡通草創時代開始就有專業的背景設計師。背景設計師基本上要畫的“又好、又快、又美”。動畫製作的時間有限沒有很多時間慢慢畫，因此受歡迎的專業美術背景設計室動作都很快而且能應付緊迫的交稿日期。如何成為背景設計師呢?這和作人物造型相同，要很愛畫畫而且躺著畫也能畫的很好(有點誇張，但動畫業的時間很緊湊，能夠在任何情況下一次OK的設計師雖然很少但相當受歡迎)。色彩設計，所有的人物造型設計完之後，導演及造型設計師們必須和色彩設計師共同敲定人物的色彩(頭髮，各場合衣服或道具外殼的顏色..等等)。色彩設計必須配合整篇作品的色調(背景及作品個性)來設計人物的顏色。色稿敲定之後由色彩指定人員來指定更詳細的顏色種類。多年前還沒有使用計算機上色時，是使用水彩顏料在白紙上來進行色彩設計。水彩顏料的色彩多半不由各製作公司自行調色，都按顏料公司提供的色卡和現成的色彩種類來設計。不自己調色的原因很簡單，因為色彩設計之後要由著色人員們來上色，如果自己調色的話，要各上色人員調出一樣的顏色是很困難的。當然導演要求及經費允許情況下，製作公司可以要求顏料公司製作出所需的顏色再瓶裝分發給上色人員。由於顏色的種類在色彩設計過程之前已經由顏料公司指定了，因此多年前色彩設計師均兼任色彩指定人員。而許多動畫的色彩也看起來都一樣。現在的動畫色彩設計及色彩指定都使用軟件來進行。各公司使用的軟件都不同，只要是處理影像的軟件都可以進行色彩設計。要注意的是，各軟件處理色彩的方式不同因此在交付給上色人員時要指定同樣軟件來著色。也由於製作方式的數字化以及選色的自由，使得目前的色彩設定選擇范圍加大及定出更為細膩多變化的色彩。色彩設計師和色彩指定師都由基層著色人員開始。經過一年到兩年的時間(按個人資質能力不同)升格為色彩設計師或色彩指定師。色彩設計和色彩指定人員最大的不同在色彩設計只要設定基本顏色(普通日照下的顏色)。配色人員要另外和副導演詳細設定出其它光線下和各集所需的顏色(黃昏，夜晚，特殊光線)作為動畫的色彩設計及色彩指定要具有影像處理色彩的知識。因為各攝影器材顯示的畫質色彩不同，不全盤了解之下作設計及指定的話，在電視屏幕上顯示的顏色會和在計算機屏幕上的效果大不相同而減少作品的魅力。因此基層的上色人員要花一年到兩年的時間熟悉實際作業過程後才能升格作色彩指定師進而成為色彩設計師。這個工作很適合kelen的口味，在宮崎吾朗的工作室就有電腦可以完成這項工作。下一步是分鏡圖的製作，這對於宮崎吾朗也是一個嶄新的挑戰。分鏡圖簡單的來說是“以圖像呈現的腳本”。畫分鏡圖的時間靠製作日程表的不同而有長有短。平均26分鍾動畫的分鏡圖要花3個星期完成。分鏡圖不需要很正確的將人物造型畫出來，只要能讓之後的工作人員看的懂就可以了。盡管如此，分鏡圖師還是需要事先練習每一部作品人物造型和了解作品的特色才讓原畫師靠著分鏡圖正確的畫出每一集副導演所需的鏡頭。常常可以見到分鏡圖師和副導為同一人物。理由很簡單。因為圖面的設計人(分鏡圖師)通常是最了解每一個鏡頭需要的效果和聲優演技來襯托出作品魅力的人。所以分鏡圖師大多兼副導的工作。副導演基本上分擔導演的重擔，導演一個人要顧全所有的製作細節是不可能的事。因此每一部動畫系列都設了副導的位子來管理每一集的動畫製作。而導演多半負責重要的第一集及最後一集。副導的工作內容除了不負責製前的腳本，設計稿和製後的宣傳活動之外，基本和導演相同。但由於導演是整個作品的總指揮，因此在副導負責每一集的製作之前，副導所畫的分鏡圖還是要經過導演的同意後才能正式分派工作給原畫師進行製作。但是在這個劇組裡面，做副導的kelen對於只會畫一些標注了參數的示意圖，需要導演宮崎吾朗將這些示意圖轉化成可以交給原畫師的分鏡圖。他們兩人終於可以喘口氣了，鈴木敏夫卻不這麽看:“宮崎吾朗，在我看來，最好讓你父親先看一看，這對於我們大家都好！”宮崎吾朗臉色一陣紅一陣白，低著頭不說話。Kelen其實已經坐在了和他們同一條船上，多一重保險對於他們這兩個菜鳥導演來說比什麽都重要。可是這裡不是他能說話的場合，對於別人的家務事還是少參合。在韓國已經受過教訓了，藝人間的合作，隻維持在工作范圍就好了，再進一步就是狂妄自大了，因此而把事情搞糟就不值得了。鈴木敏夫也不著急，撣撣衣服，活動著頸椎，似乎在自言自語:“太陽真是難得啊！你們慢慢的考慮，有了結果就來找我，我要去曬曬這把老骨頭了！”.Kelen沒有在這件事情上多做糾纏，在宮崎吾朗和鈴木敏夫交涉的這段時間，他還要盡力完善劇本，準備電影的主題曲和片尾曲。劇本中，亞刃向瑟魯坦白心扉後，安排了一首治愈系的歌曲，演唱者是負責給瑟魯配音的聲優。名義上的音樂負責人是寺島民哉先生，但是如果不能得到宮崎駿的認可，他們也不會冒險趟這趟渾水，不小心砸了自己的招牌。為了自己的心血，kelen不得不用盡渾身的力氣。“瑟魯之歌”在劇本寫完後，kelen就抽空完成了詞曲，這首歌並不是給某個特定的歌手創作的，完全是適應場景劇情的作品，誰去唱反而不重要了。瑟魯之歌暮色將至的雲霞上總是獨自飛翔的鷹想必也會感到悲傷在呼嘯而過的風中那乘風而起的翅膀始終無法得到休息把我的心比作什麽如同這隻老鷹一樣把我的心比作什麽在空中飛舞的悲傷淅瀝雨中的岩石下總是開著小小的花想必也會感到悲傷在煙雨朦朧的雨那淡淡粉色的花瓣始終沒人將它憐惜把我的心比作什麽如同這朵小花一樣把我的心比作什麽在雨中凋零的悲傷荒無人煙的原野中與我一同行路的你想必也會感到悲傷在蟲聲呢噥的草原雖然是天涯同路人卻從不曾有過交談把我的心比作什麽這顆獨自行路的心把我的心比作什麽這孤獨一人的寂寞這首歌是用陶笛配樂的，相比於尺八，陶笛的音色更乾淨和穩定。kelen吹奏起這首歌的時候，屋子裡的氣氛才緩和了一些，宮崎吾朗從煩惱中解脫出來，專注於歌曲中。這個時候他會換上T恤短褲、光著腳，點上煙，盤腿坐在kelen對面，靜靜的傾聽。Kelen拍拍宮崎吾朗的肩膀:“別想了，咱們去放松放松！”說著揚了揚手中的卡片。那是《迷宮的十字路口》劇場版上映的首映式入場券，kelen曾經為這部電影配過曲子，古內一成先生原本是希望kelen可以出席首映式典禮，為電影的首映增加些名氣，不過kelen更喜歡台下的感覺。Kelen一邊準備外套，收拾東西，一邊安慰宮崎吾朗:“走吧，咱們去看看別人是怎麽慶功的，等咱們的電影也要首映的時候就有經驗了！”宮崎吾朗一躍而起，“好，我們去學習學習！”票上的流程是:5-5:30進場，5:30-6首映，6-7:40電影。接著觀眾被告知，可以拿著首映式門票領徽章了，門口有工作人員一個檢票一個發放。還有柯南的貼紙，工作人員把白紙撕掉，直接拍在了kelen肩膀上。kelen感覺到沒什麽，可是有很多柯南的狂粉在貼紙沾到身上的時候，興奮的直接尖叫起來。一些二十多歲的年輕人，大都是背著書包，挎著相機，還舉著一些柯南的周邊產品，或者以往電影做活動得到的紀念品，全副武裝的像是出席化裝舞會一樣。這些年輕人大都帶著眼鏡，臉色蒼白，不修邊幅，kelen拉著宮崎吾朗指指他們:“好誇張啊！”宮崎吾朗搖搖頭:“我年輕的時候比他們還瘋狂呢，那時候我們是瘋狂追歌星，自己組搖滾樂隊，那真是最有熱情的時候啊！”首映式除了邀請嘉賓站台，就是做遊戲發送特別紀念品，還安排選取出來的粉絲們進行拍照簽售活動。在這種場合最受追捧的是聲優和主題曲的歌手。動畫音響大約分成人物配音，音樂及音效等3大部分。這個部分的大多在作品製作初期就由製作人和導演開會後指定的音響指導來分派工作給各音效部門(如作曲作詞家，聲優，音效製作人員)來進行音樂製作。賦予動畫人物聲音的配音人員，也就是聲優。一個作品的分派角色是由導演，音響指導和讚助商來決定。決定聲優並分派角色並不是一件簡單的事。以原案企劃來說，兼具原案者的導演在腦子裡已決定自己創作出來人物的印象，而日本的聲優眾多，所以在聲優群中要挑出理想的人選很不容易。讀者可能已知道日本的聲優有一定的市場影響力，聲優迷會購買自己喜歡的聲優們演出的作品，所以有時是讚助商挑選。如何選出適合作品的聲優?有些導演由於參予多部作品的製作及本身喜愛動畫的關系接觸到許多聲優們。因此在挑選聲優時，可能已經想到用某個聲優來演出自己的作品。如果導演沒有主意時就會征詢音響指導的意見。原因是音響指導一年到頭都和聲優們相處，相較於導演之下比較了解哪一位聲優適合哪一類型角色。另一個情況是製作公司在推出新作品時通知各聲優事務列出候選後和導演及音響指導開會決定。決定人選後，將腳本分派給飾演各角色的聲優們之後安排時間進行錄音。參加錄音的是製作人、製作管理、導演、音響指導及副導在錄音室錄音。資深的聲優們由於經驗豐富或演技成熟，所以可能試音一次就能正式錄音一次OK。當然，一句台詞(尤其是笑聲或哭聲)可用很多種音調表示。導演會指示聲優以不同的方式表現錄音後挑選最適當的部分使用。這並不表示聲優不好，而是指聲優的底子強一句台詞可以用許多方法表現讓導演有所選擇。理所當然，演技不夠成熟的聲優就可能要試音許多次才能錄到導演要的效果。錄單獨角色時，演技不好的聲優還不至於拖累其它聲優的時間(只是苦到導演，音響導演要很有耐性的等到演技不好的聲優講出一句適合的台詞)。但是錄群體戲時，演技不好的聲優就很可憐。因為一起錄音的聲優們都錄一、兩次就OK被放回家，但是自己還是一直被出NG，到最後還會被留下來單獨錄音，有點難堪。錄音開始的時間要看情況，通常是早上10點開始，但有時是下午4點或6點開始。至於多久就要看當天錄音的聲優台詞的長短、錄音人數的多少及演技成熟度。有時30分鍾內就可以解決，有時要拖上幾個鍾頭直到深夜。至於如何當聲優，以日本來說，想要成為聲優的人必須事先通過聲優訓練所的考試。經過一番訓練後，再參加聲優事務所的新人招募。幸運的話再成為被聲優事務所正式登錄的聲優。外行人或動畫愛好者要一夜之間成為聲優是百分之百不可能的。事實上，日本年輕人填“我的志願是當聲優”也是近20年來才有的現象。之前或目前出名的資深聲優們都是從劇團出身的演員跨行當配音，因此演技都經過一番磨練才從事動畫配音。現在的聲優大部份都是一開始就從事聲優的工作，加上讚助商們為了提高作品的銷售成績而偏好長相比較可愛的聲優。因此出現演技好壞可能對現在要成為聲優的人們並不是最重要的情況。雖然如此，想要將聲優作為終生職業而成為真正令人崇拜的聲優還是要對演技下一番功夫。“聲優”這個行業及實際生活情況，老實說當聲優相當辛苦，不像在聲優雜志上如此的光鮮亮麗(能夠登在雜志上的聲優們是日本聲優幾千人中的少數民族，能夠只靠聲優收入蓋大房子開外國轎車的更是少數)。基本上聲優是一個算工資(報酬)沒有所謂月薪的行業。一個新進聲優如果幸運的得到TV版動畫一集的演出，以日本演員連盟的基準來說，三十分一集大約是18，000日幣演出費，這就是聲優的工資。就算一個月演出4集可能比先前提到的基層動畫師還窮困，生活費也只有靠打工來補足，有志成為聲優的人要考慮到自己是否能忍耐一段有一頓沒一頓的貧窮生活。能夠成為只靠聲優的工作來維持家計的聲優們不多。成名的聲優們30分一集的演出費並沒有高出新人多少，這是因為如果自己擅自抬高價位，製作商可能基於預算的關系(再加上渴求演出機會願意以低價演出的新進聲優人員眾多)不願使用太貴的聲優，就算預算很充裕，行情太高之下會打退讚助商使用的意願。差額在於成名的聲優們接到比較多的動畫演出次數，電台演出機會和出CD專輯的報酬。動畫界是一個實力主義至上優勝劣敗的世界，聲優界也是一樣。沒有出了訓練所就一定保證成為聲優上電視出專輯這樣的事，一切要靠神明的旨意，自己的努力和建立良好的人際關系贏得激烈的競爭。當有機會來臨可以出色的表現到目前為止自己的努力，贏得觀眾及的欣賞就有可能成為雜志封面人物或出現在促銷活動中受到觀眾的喝彩。除了動畫人物的配音人員出色的演技之外，音效及主題音樂也是另外一個吸引人們觀賞的要因。音樂多半請專業的作曲作詞家製作。音樂的製作規模以預算而定，大規模的可能請到有名的音樂家和交響樂團來演奏主題曲，小規模的可小到一人用計算機混音完成。作曲作詞家並不只製作動畫音樂，他們通常都從其它音樂界出身而跨行製作動畫音樂。音樂製作人員為了要了解原作者欲表現的世界觀，須事前和導演開會以了解導演需要的感覺。經過開會後開始製作試聽帶。之前，試聽帶以錄音帶形式交給導演試聽，現在多使用MD或CD。導演聽過試聽帶後再和作曲作詞家開會修改音樂製作方向。由於動畫的另一項重要收入為原聲CD的銷售，例如請具有人氣的流行歌手演唱主題曲可以吸引歌迷們，為了超大型動畫作品而由唱片公司組成的少女團體可以帶動各推銷活動的活絡氣分，超人氣聲優主唱的話又可吸引一定的顧客群，許多的銷售因素使製作動畫音樂有一定的壓力。關於音效，假設一部動畫的故事發生在夏天，除了動畫人物說話的聲音，沒有其它任何聲音，就算映像顯示了太陽海灘或冰塊但是沒有海水的聲音，冰塊融化的聲音，會使整個夏天的感覺減少很多。製作音效的順序為收集聲音材料->編集->混音>錄音->確認->保存材料。音效又分為三種:人造音，原創音效，需要音效師自己創造的聲音，如現實上不存在武器或宇宙船所發出的聲音;環境音，每一場景在人物周圍的聲音，汽車通過的聲音，學校的鍾聲..等周遭環境中的雜音;生音，腳步聲，衣服摩擦聲，關門開門聲，簡單的說是由畫面人物動作所產生的聲音。依照所需的效果，人造音可能要自己從各種不同的音源混音或由音效師用不同的材料製作出所需的效果。至於環境音效或生音，有時是直接到街上或野外錄音，有時是使用市面上所出售的音源材料CD。音響器材的不同，音量的大小或每一個人對各種聲音的見解不同會改變每一部動畫的氣氛因此音效師對聲音(任何聲音)要相當的敏感及各音響器材下一番功夫了解。主題音樂在製作動畫的初、中期就已經選好作詞作曲及歌手的人選，所以製作時間比較充足。但是影音合成的工作常常因為動畫作業的延遲而使合成作業時間更短。進行合成工作的為導演，音響導演及錄音室的技師。有些導演在全部的動畫製作作業上最喜歡合成這項工作。因為這是第一次所有依導演指示下做出來的動畫“零件”第一次拚湊在一起。“拚湊”的工作時間長短不同，劇場版分成許多段落一一完成，比較短的一集通常一天就可以完成。有時事先準備好的音源和導演或影像不合，以雨聲來說，大雨或小雨或暴風雨或細雨的感覺各有不同，因此要和導演及音響事前進行充分的溝通才能一次OK。尤其是TV系列的製作時間緊迫，安排製作預定表時給予製後人員充足的修改時間是很重要的。擔任動畫音樂製作的作詞作曲家們或音效師絕大部分不是從動畫業開始，大多是其它音樂界人士。進入音樂界，喜歡音樂玩樂器是不可缺少的。因為了配合多樣的動畫情節，製作動畫音樂的音樂家們需要廣泛的對各種音樂有些了解才能創作出理想的音樂。高山南生於1964年，本名新井泉，日本著名女性聲優及歌手，東京都足立區出身。中學時代加入向日葵劇團。高中畢業後，曾經是一個普通的辦公室女職員，22歲立志成為聲優。高山南是個多才多藝的聲優，聲線較為渾厚，擅長反串男聲。在名偵探柯南中既表現出作為名偵探工藤新一的犀利，又有作為江戶川柯南時的孩稚聲音，高超的演技讓人佩服不已，那獨特的聲線，和對人物的性格的掌握，讓柯南活在世界的舞台上了。那句經典台詞:身體變小了，頭腦依然靈活，無所不知的名偵探，真相永遠只有一個。讓廣大粉絲為之傾倒。山崎和佳奈生於1965年，山崎的聲音可柔可剛，變化自如。因此配音角色的年齡范圍也很廣泛。少女角色代表自認是在國民中知名度很高的《名偵探柯南》中的女主角毛利蘭了。山崎清澈的聲線完美地展現了一個青春活力、溫柔堅強、勇敢善良的毛利蘭。山崎為蘭配音已有16余年，這個角色已融入到了山崎的生活中，為蘭配音時，是生活中的自己真實地流露。因此讓山崎有了“小蘭”這個眾所周知的愛稱。山口勝平生於1965年，出演了名偵探工藤新一與大怪盜基德的永遠的少年形象，另外在《金田一少年事件簿》的劇場版《新歌劇院殺人事件》中給金田一配音。林原惠美是日本的聲優、歌手、DJ、作詞家、作家。演出過多部轟動大作的主要女角，代表作品有《新世紀福音戰士》的綾波麗、《秀逗魔導士》的莉娜·因巴斯、《名偵探柯南》的灰原哀、《神奇寶貝》的武藏等。為日本公認的“聲優女王”。從1986年開始正式參加聲優工作以來，這個原本希望成為一名護士，喜愛史努比的玲瓏女子，踏足於日本第三次聲優熱潮，成為無庸爭議的聲優天后。她留下的每一個足跡，都是動漫迷們不容錯過的經典。她的實力派聲優影響地位，至今仍是其他聲優無法逾越的。林原對於電視及電影的媒體曝光很不喜歡，她認為動畫聲優在舞台上露面時，絕對不可以損害小朋友對原本動畫角色的印象的。不過，她還是時常在聲優專門的雜志上出現。雜志的內頁封面等常有林原的寫真照，但也大多是側身照為主。宮村優子生於1972年，本名關優子，日本女性聲優、演員，曾做過歌手，出生於兵庫縣神戶市。1995年憑借《新世紀福音戰士》中的明日香一角成為一線聲優備受關注。在柯南中扮演遠山和葉的角色。這些聲優都是陪伴著柯南的愛好者走過了十幾年的日子，在粉絲們的心裡，他們永遠定格在初次為柯南配音的那個年紀，在粉絲心目中他們就像劇中的角色一樣永遠鮮活靚麗，青春不老。排隊找他們簽名的從幾歲的小孩到二十多歲，三十多歲的觀眾都有。電影播放完走出放映室已經晚上八點多了，兩個人在地鐵站站了很久，通往三鷹市的地鐵一班一班的開過去，宮崎吾朗卻沒有上車的欲望。最後，他們登上了開往東京都小金井市的末班車。Kelen一聲不吭的跟著他，出了地鐵站，在昏暗的路燈下頂著刺骨的寒風前行。大約走了一刻鍾，來到了燈火通明的吉卜力工作室。進入大樓裡面，靜悄悄的，kelen他們聽不到有人喧嘩，樓道裡面也沒人。Kelen碰碰宮崎吾朗的胳膊:“好安靜啊，人都走光了嗎?也不關燈嗎?”宮崎吾朗笑而不語，隨手推開一間房門，裡面的工作人員還很多，靜悄悄的在專心工作。他又推開了一間休息室，裡面有熬夜倒班的員工在休息，吃飯。鈴木敏夫也在裡面坐著，和一個年齡相仿的老人在低聲交談，宮崎吾朗徑直走了過去，鞠了一躬:“鈴木叔叔，爸爸……”鈴木敏夫穿著黑色的正裝，弓著腰窩在休息室的沙發上，見有人來了，才打起精神，“哦，是吳朗啊，劇本帶來了嗎?趁這機會給你父親看看！”Kelen有點搞不清狀況，記得鈴木敏夫手裡有一份複製的劇本的，難道……這時宮崎吾朗翻開包，尋找裡面的文件，宮崎駿撐著手從沙發上站起來:“這是公司，不要搞錯關系亂叫，影響不好！”一邊說著，一邊穿外套:“你們的事情不要扯上我，我自己的事情都忙不過來，但是你要量力而為，不要砸了公司的招牌，浪費大家的心血！”Kelen假裝沒聽見他們的唇槍舌劍，自顧在一旁低著頭陪著宮崎吾朗挨訓。沙發前的茶幾上擺著一摞雜志《熱風》，這是吉卜力工作室準備發行的雜志。吉卜力是由宮崎駿命名，意思是在撒哈拉沙漠上吹著的熱風。此外“ghibli”也是第二次世界大戰時意大利的一種偵察機名字。宮崎駿是個飛行器狂，當然也知道這件事，於是決定用“吉卜力”作為他們工作室的名字。而在這個名字的背後，還有一層含意，也就是希望這個工作室能在日本動畫界掀起一陣旋風。工作室的標志是使用他們的作品《龍貓》中的登場角色來設計的。1985年6月15日，當時製作《風之谷》的團隊(TopCraft)，在由德間書店出資幫助下，正式轉型為吉卜力株式會社，社長由德間的社長—德間康快出任，工作室實際上的負責人為TopCraft的代表取締役原徹，1991年由鈴木敏夫接任。吉卜力工作室是一個相當特殊的團體，不論在日本國內或是國際間都是一樣。因為吉卜力工作室原則上隻製作由原著改編，劇場放映用的動畫。他們認為通過電視版這種製作時間和成本都大受限制的動畫形式，是沒有辦法達到表現他們心中真正追求的境界的。他們所追求的，是純粹而高品質的動畫，是能真正深入人心，刻畫人們生命中喜悅與悲傷的動畫。他們的理想，是將全副精力都灌注在他們的每一部作品之中，絕不犧牲品質向有限的時間和預算妥協。每一部作品一切的指示都由導演來下達，導演的決定擁有最高的優先權。他們的政策方針是將製作良好的影片擺在第一位，公司的經營和成長則是其次。吉卜力工作室的成員們，從來都沒想過這個工作室竟然能一直存活到現在。“我們製作一部電影，如果它成功了，就再做下一部。如果失敗了，那這個工作室就得結束生命。”吉卜力成員們當初就是抱著這樣的心態出發的。為了使風險減到最低，他們沒雇用半個全職的工作人員。在製作一部影片的時候，他們大約會召募七十個左右的人員組成小組，當電影完工之後，小組即自動解散。在日本的動畫電影界，一般都是按照所畫的張數來計算員工的薪資，這也是吉卜力給付它的員工薪資的計算方法。然而工作小組所得到的薪水卻嚴重偏低，差不多只有日本平均薪資的一半。吉卜力的影片製作費可能會比其他的工作室來得高。但是從吉卜力的組織架構來看，大部份的經費都花在影片上面了。這就是吉卜力特別的地方。吉卜力之所以能夠這樣做，就是因為他們和其他的公司比起來，花在支撐各個部門的費用要少太多了。在宮崎駿的哲學中，他認為日本應該自己來創造他們想讓日本小孩看的東西。所以，遵循宮崎駿哲學的吉卜力，從未向海外其他國家的工作室請求任何的援助。到現在為止，吉卜力的作品主要僅限於在亞洲地區發行，也就是香港和台灣兩地。吉卜力希望他們的電影能以在戲院上映為優先，畢竟電影本來就是為了在電影院放映而製作的。當然，吉卜力絕不允許任何人修改他們的作品。吉卜力從未(今後也是一樣)為了市場的考量，而製作一部適合多國市場的影片。吉卜力將會維持一貫的風格，單純隻為日本的觀眾製作影片。如果情況允許的話，他們才會朝其他的國家發展。當時全日本的動畫界卻是處在低迷狀況，想在這樣的環境下仍能維持製作的水準，宮崎駿認為吉卜力需要一個固定的工作總部，用來建立堅固的組織系統、實現全職員工制度的理想、同時進行工作人員的訓練和擴增的計劃。既然動畫製作的成本有80%是來自人力，那麽薪水提高兩倍的結果當然會造成成本大為提高。要製作最高品質的電影，就必須投注很高的製作成本，同時雖然這樣做會有很高的風險，但是得到報酬收益卻是很大的。這大概就是“3Hs”的意義。雖然報酬收益很高，卻全部又投注在下一部電影的製作上面了，所以吉卜力到現在還是窮光蛋。雇用全職員工的意義，就是吉卜力必須每個月給付員工薪水。吉卜力對這個情況的應變方法，是維持一種不斷工作的狀態，也就是不斷地製作新的電影，現在這已成了吉卜力的宿命了。所以才會看到工作室燈火通明，員工夜以繼日的在忙於工作，吃住都在工作室。這種高強度的工作方式，也只有年輕人才能應付過來，上歲數的人被累倒，似乎也不是什麽稀奇的事情。宮崎駿也有過因過於操勞一度宣布退休的經歷。一直忙於動畫事業的這位日本動漫大師，與兒子的關系一直不佳，宮崎吾朗是宮崎駿的長子，次崎敬介是知名版畫家。對於子承父業的大兒子，宮崎駿顯得尤為苛刻。宮崎駿最終沒有接手兒子舉在手上的劇本，而是注意到kelen的身上，“你是吾朗的朋友嗎?”Kelen鞠了一躬，伸出手和宮崎駿握了一下手:“我是kelen，初次見面請多多指教！”宮崎駿仔細打量了一陣kelen，似乎被他外貌當中的白人血統弄迷糊了:“你是給柯南的劇場版配音的那個kelen嗎?”Kelen不禁感慨，動畫界真是小啊，信息傳的這麽快。鈴木敏夫搶過話頭:“是的，這次的劇本，分鏡圖也是他和吾朗一起完成的。我曾將吾朗繪製的《地海戰記》分鏡圖給動畫導演庵野秀明評析，庵野秀明看後認為完全有宮崎駿動畫的風格。大塚康生前輩看了吾朗繪製的分鏡圖一開始不相信是由他本人所畫出，之後確定是吾朗所作時，也說了不愧是父子，真是令人吃驚的話。所以你要對年輕人有信心嘛！不要老是對他們這麽嚴厲……”宮崎駿還是沒有接劇本，嚴肅的盯著kelen，“做音樂的人改行做導演的人我見過，但是那不是一般人做得到的。年輕人有理想，有追求很好，但是要腳踏實地的乾好本職工作才行。你是吳朗的朋友，就要帶他走正路，不要想著自己得利，讓朋友承擔責任！”他轉向鈴木敏夫:“我還是那句話，讓一個沒有任何動畫及電影製作經驗的新人來掌舵一部電影，實在太亂來了。在這件事情上，我不會表態，不會出手，也不會看的。”這一幕讓眾人都懵了，宮崎吾朗甚為狼狽，幾乎是帶著哭腔說道:“這都是我的錯……因為原本要執導該片的導演臨時放棄， 我才取代的……如果還有機會的話，希望可以當導演……”宮崎駿火氣爆發，“夠了！不要再說了！你是否真心要做好這部電影?不要老是像個長不大的孩子，要學會自己承擔責任！一旦當上導演，就必須面對來自各方面的指責和壓力，這是一份不安定的工作。”宮崎駿對鈴木敏夫說:“沒關系，我做到死也沒關系，但不要讓他(指著宮崎吾朗)當導演。因為只要當一天導演，不管你的作品是成功還是失敗，一輩子都會跟著你！”他轉向kelen:“kelen，我希望你盡到朋友的責任，什麽時候該支持吳朗，什麽時候該勸阻他，要考慮清楚！乾這一行，人品要比技術重要的多！”Kelen心裡面是什麽滋味，只有他自己知道。動畫界就是這麽現實，成王敗寇，連續的成功會把人捧上王座，他們的影響力真的達到可以呼風喚雨的地步。鈴木敏夫拍拍他們兩人的肩膀，安慰著他們:“他說話就是這麽直接，但是下決定的還是你們自己，你們想好了嗎?”Kelen拍拍宮崎吾朗的肩膀:“有結果了給我電話，我得出去透透氣，這裡氣氛太緊張了！”鈴木敏夫也開導他:“不用急。你們先回去，想好了再決定，我會盡力幫助你們的！”宮崎吾朗勉強的整理心情，向鈴木敏夫告別，帶著kelen離開休息室。兩人走到樓梯口，一直沉默的宮崎吾朗突然停下來:“kelen，想不想看看動畫片是怎麽做出來的?跟我來！”　　 歡迎廣大書友光臨閱讀，最新、最快、最火的連載作品盡在！